Juntamente com a Talenthouse, ele fez um chamado aos designers para que desenhassem seu ‘R’ oficial para ser usado em seu material de merchandise no ano de 2011.

Minha primeira intenção foi desenhar um logo 3D, porém, alguns obstáculos me impediram de levar à frente o pretendido. Decidi simplificar.

Para uma melhor experiência, por favor, coloque seus óculos 3D (vermelho-ciano) e aperte o play ao lado.

Logo Rusko - aplicação 3D

Logo Rusko - versão amarela

Logo Rusko - versão negativa

As perguntas chegaram e foi a hora certa para o retrospecto do meu caminho de vida nesta última década.

Aqui coloco a entrevista na íntegra, com um agradecimento especial à Regiane.

Nome, idade, bairro onde mora e formação.

Me chamo Christian Sisson, tenho 34 anos e moro em Jacarepaguá. Minha formação é em Medicina Veterinária, com Mestrado na área. Atualmente sou diretor de arte, artista digital e desenvolvedor web do Sisson Studio.

Born Of A Broken Man na UNESA. Foto: Edmar Moreira.

Como iniciou sua carreira?

Tortuosamente.

Graduado em 1999, Mestrado concluído em 2002, profissão abandonada em 2003.

Desde então fui modelo fotográfico, figurante de comerciais, filmes e televisão, comecei curso de teatro, fui auxiliar administrativo e baixista de banda de rock (lançando até CD, veja você!).

Em finais de 2004, Bárbara, designer graduada e então minha namorada, viu uma oportunidade de ter seu próprio negócio incubado no Instituto Gênesis da PUC-Rio, bem na época do boom de incubadoras no país. Fui chamado pra sócio, para cuidar da parte administrativa e financeira da empresa, chamada Artevisivo, somando mais essa atividade à lista.

Em 2007, já morando juntos, resolvemos largar a empresa e trabalhar em casa.

Até então tudo ia mal pra mim, pois eu havia ficado perdido na vida, novamente. Vindo de criação militar rígida e intransigente, aprendi a estagnar na vida e castrar as escolhas que me beneficiam, trocando uma vida próspera pela auto-agressão. Em casa, não havia liberdade de escolhas, mas apenas o cumprimento dos caprichos militares em regime de prisão domiciliar semi-aberto. O resultado disso nunca foi dos melhores.

Mas, na 2ª metade do ano de 2007, para me ocupar, resolvi começar um blog sobre design (que acabou virando nosso site) e ajudar Bárbara no design dos clientes.

Sempre fui autodidata, curioso, fuçador de coisas e criativo, com bom senso estético. Já sabia mexer no Photoshop desde a versão mais tosca do software e tinha feito algumas manipulações digitais para projetos da nossa empresa.

What is Graphic Design? Poster enviado a concurso na Bélgica.

O passo seguinte foi aprender os demais softwares gráficos, estudar gerenciamento de cor, paginação etc. Sem grana, consegui emprestado alguns endereços de email para poder estudar 7 dias de graça por cada email cadastrado no lynda.com.

Acabei, invariavelmente, fazendo a direção de arte dos projetos, criando identidades visuais, papelaria, brochuras, fotografando para compor layouts etc., essas coisas corriqueiras dos estúdios de design.

Mas foi em 2008, 5 anos pós-veterinária, que surgiu a oportunidade de criar um poster para um concurso na Bélgica. Daí não parei mais. Criamos o Sisson Studio nessa época e daí comecei a produção de arte digital.

“Trabalho é o amor feito visível.”, frase do livro O Profeta, de Khalil Gibran. É por ela que me guio nesta vida.

Por quê artes digitais?

Não há um porquê exatamente. Por ser uma pessoa prática me identifiquei com o mundo digital desde o primeiro PC 486, comprado pelo meu irmão em 1994. Eu não saberia, neste momento da vida, criar minhas artes no mundo físico. Já até tentei, porém, com resultados desastrosos.

Como é seu processo de criação?

Inspiração e intuição; um tema para trabalhar; uma tela em branco no computador; uma música que permita os sentimentos saírem e serem incorporados à arte.

CVLPATVS

Minha arte é imensamente inspirada por música e quase sempre gira em torno de temas polêmicos em minha vida. Em ‘Round midnight coloco arte e música de inspiração lado a lado. É assim que fazemos também nas exposições; o visitante vê a arte enquanto ouve a música.

Como exemplo prático, posso citar a arte CVLPATVS – “Culpado” em latim. Nesta peça escrevo em pergaminho meu testemunho de vida, admito minhas culpas e recebo das pessoas suas acusações. Componho a peça com rostos da minha infância, formando um rosto adulto semi-morto, aguardando a sentença final de culpado e a aura da absolvição. Foi uma forma de purificação e ascenção.

O tema, a música e a imensa depressão estavam lá para me auxiliar. Foram semanas despendidas montando tudo, com a música Miserere mei Deus nos fones de ouvido sem parar um minuto sequer.

No Flickr é possível ver a arte em maiores detalhes e o testemunho em português.

Cada arte leva um pedaço de mim, do que é e foi minha vida. Sempre que as vejo e ouço a música, os sentimentos voltam: a leveza de uma alma em processo de cura; a raiva contida; o peso do mundo.

Com quais áreas artísticas trabalha?

Não me limito a nenhuma porque meu objetivo maior é colocar o que preciso para fora. E, com esse objetivo em mente, posso seguir qualquer área. A limitação viria apenas da habilidade com as ferramentas do processo.

Como é o mercado?

Aberto e aquecido. A internet é bem democrática e não é necessário ter 20 anos de carreira e contatos com galerias de arte para ficar famoso. Porém, é também efêmero. Grandes frustrações podem advir dessa efemeridade se o artista seguir o caminho da expectativa de aceitação.

Com 5 minutos de busca na internet pode-se notar que tem é muita gente criando por aí. Contudo, poucos seguem o caminho da arte propriamente dita. Muitos criam composições digitais extremamente habilidosas, mas que seguem tendências estéticas e não tem nada de pessoal impresso no trabalho. Ficam vazios. Sem sentimento. Isso fica mais para design gráfico que arte digital.

Onde tem mais receptividade?

A maioria das visitas que recebo nas artes é do Brasil, mas a maior receptividade vem de outros países. Comentários, compartilhamentos, pedidos para utilização das artes em websites, convites para enviar a arte para grupos e por aí vai.

Onde já apresentou?

No ano passado, é que resolvemos expor as artes. Primeiro foi na Expo-Shout, no Santo Cristo. Depois veio o convite para expor na Universidade Estácio de Sá em Jacarepaguá e, por último, o convite para expor no ARAKA, na Gávea. Todas essas experiências foram ótimas!

Born Of A Broken Man na Expo-Shout - Nossa primeira exposição. Foto: Fabrício Nunes.

Há venda das artes?

Minha arte reflete sentimentos guardados, traumas antigos e questionamentos eternos, e, por isso, não vinha vendo a situação pelo prisma financeiro.

City Sounds - The Original Score. Arte premiada no concurso da HUGO Boss.

Daí que fui premiado pela Hugo Boss e pintou uma grana. A idéia comercial surgiu.

No final do ano passado eu fui convidado a vender minhas artes no artflakes, da Alemanha. Ainda estou organizando meu perfil e preparando uma divulgação bacana. Estamos pesquisando a venda no Brasil e bons prospectos começam a surgir.

Todas as artes que expusemos na Estácio de Sá e no ARAKA, estão à venda, emolduradas e com vidro anti-reflexo. Mais informações sobre elas nesta página. Dá pra vê-las emolduradas neste álbum.

Por enquanto vendo as artes sob encomenda. O interessado pode escolher a arte e o tamanho que quer. Imprimo, emolduro e entrego. Basta entrar em contato comigo.

Trabalha com algo a mais que as artes?

Certamente. Temos os projetos de design aqui do Studio. Ultimamente tenho estado bastante focado em desenvolver websites. Descobri que tenho bastante jeito pra coisa e ótimos projetos tem aparecido.

Fora do Studio sou sonhador profissional, pensador e questionador incansável e aspirante a astronauta e jazzista.

Quais perspectivas para o futuro?

Exposições e arte sob encomenda.

Bárbara está a todo vapor com exposições de arte e está me colocando na linha de tiro.

Adicionalmente venho prospectando minha arte comercialmente. Capas de livros, capas de discos para artistas, posters de filmes e até mesmo websites podem ser veículos dessa arte.

O que diria a aqueles que pretendem enveredar por essa área?

Caiam dentro sem medo. Basta ter coragem para colocar os sentimentos, sofrimentos e questionamentos pra fora e ter alguma habilidade com as ferramentas.

Como contactá-lo e que tipo de serviços oferece?

‘Round midnight

Minha arte digital é multi facetada.

Posso combiná-la com design gráfico, web design ou fotografia; ela pode ser inspirada por música ou não; posso trabalhar como diretor de arte ou com retoque de imagens. As possibilidades são numerosas. E sob este ponto-de-vista eu não me limito a nenhum campo específico da criatividade, mas estou sempre aberto a novas possibilidades.

Topo projetos freelance, contratos de longo prazo ou trabalho em conjunto com outros Studios ou times de criação.

Pelo email

é contato certo. Como sou uma criatura noturna (não é a toa que meu site se chama ‘Round Midnight!) respondo sempre a partir da tarde até o alvorecer :)

Onde está sua obra? Apenas na internet ou há algum espaço de visitas? Tem um espaço próprio de apresentação?

Na internet sempre!

• ‘Round Midnight, repositório definitivo.
• No Flickr, as imagens em melhores detalhes.
• O processo de criação de algumas artes podem conhecidos no blog do Studio.

Decidimos publicar todos os nossos web designs juntos, independente de estarem ou não online. Não há mais necessidade de nos preocuparmos com isso.

Então, aqui estão eles (listados sem uma ordenação específica):

Ken Heyman

Projeto de web design para o fotógrafo de Nova Iorque Ken Heyman. Adoramos desenhar este projeto para o Sr. Heyman juntamente com o logo.

Infelizmente este site ainda não foi ao ar.

Modal Acústica

Website para o engenheiro acústico de São Paulo, Marcelo Godoy, com CMS, menu accordion, galeria de imagens com lightbox e integração com ISSUU.

Visite: modalacustica.com.br

Paraty

Website desenhado para a Secretaria de Turismo de Paraty. Destaque para os dois menus de navegação (“Poético” no topo; “Institucional” à esquerda), integração com Flickr, Google Maps e Google Calendar. Vocês precisam visitar esta cidade, ela parou no século XVI.

Apesar de finamente desenhado e prototipado, este site nunca foi ao ar.

Tigran Sisson

Website desenhado para Tigran Sisson, professor de Literatura Brasileira, língua Portuguesa e redação, produtor e revisor de textos e consultor lingüístico. Também desenhamos logo e cartão de visitas.

Visite: tigransisson.com

Work Out Eventos

Projeto para um escritório de produção de eventos do Rio de janeiro, com CMS, integração com Flickr nas páginas de casting e portfolio. Ainda em fase de implementação.

Visite: workouteventos.com.br (versão incompleta sem CMS)

TC URBES

Website desenhado para uma firma de consultoria especializada em planos e projetos para solucionar problemas de mobilidade.

Apesar de desenhado e prototipado, este layout nunca foi ao ar. O cliente resolveu cessar o projeto e desenhar outra versão baseado nos nosso layout. Lamentável.

Devik Handels

Website para um escritório localizado na Alemanha/Rússia. Esta firma lida com importação de equipamentos e peças de reposição para a Rússia.

Este web design nunca foi prototipado.

Mexa em uma única coisa em toda a Natureza e a achará conectada ao resto do mundo. – John Muir

Poster enviado à competição da Talenthouse para promover o filme “Connected”, novo documentário dirigido pela premiada cineasta Tiffany Shlain.

A rosa, em minhas crenças pessoais, tem especial significado. A busca da sabedoria, do elevado conhecimento e da iluminação; o desabrochar da consciência.

O Nome da Rosa foi um projeto que começou, novamente, com uma competição, dessa vez no site Venus febriculosa. Tentei o máximo que pude entregar minha arte em tempo mas esbarrei em alguns obstáculos e não consegui. Mas segui em frente, determinado a terminar o que havia começado.

O Nome da Rosa em literatura e filme

O romance de Umberto Eco se passa no ano de 1327, considerado como o começo do Renascimento. Eco se utiliza de contextos reais da época para narrar seu “romance policial”, tendo como personagens principais William de Baskerville e Adso de Melk, tentando resolver uma série de crimes que ocorrem numa abadia no Norte da Itália, onde existe uma sinistra conexão entre a biblioteca e as mortes, ainda que os monges acreditem se tratar do fim dos tempos previsto no Livro das Revelações.

Sou um apaixonado pelo livro e pelo filme, admito sem pudores. O filme é uma produção ítalo-franco-germânica dirigida por Jean-Jacques Annaud e lançada em 1986. Sean Connery interpreta William de Baskerville e o então adolescente Christian Slater, Adso de Melk.

Contudo, a direção de arte deste filme, assinada por Dante Ferretti é a coisa mais bela da obra cinematográfica. O cuidado extremo em caracterizar a Idade Média é algo impressionante. Algumas cenas internas foram filmadas na bela Abadia de Eberbach, localizada na Alemanha (o website oficial da Abadia oferece um tour virtual com lindos panoramas de 360°). Para as cenas externas e algumas internas, Dante fez com que construíssem uma abadia nos mínimos detalhes.

Inspiração musical

Assim como no poster CVLPATVS, a inspiração musical para este projeto veio dos Cantos Gregorianos. Comecei procurando cantos sob domínio público e encontrei quatros belas peças, que, com a ajuda deu meu amigo Luiz Pereira, pude saber quais são. Não tive dúvidas que “Kýrie, eléison” era a música mais inspiradora para esta arte; linda harmonia vocal. Pena eu não saber quem é o artista.

As imagens

A rosa, em minhas crenças pessoais, tem especial significado. A busca da sabedoria, do elevado conhecimento e da iluminação; o desabrochar da consciência.

O que eu precisava para concretizar minha idéia era achar uma imagem descente de um livro. Uma que representasse dignamente o século XIV. Eu não aceitaria quebra-galhos..

Numa manhã durante o projeto, acordei lembrando da Biblioteca Mundial Digital e, mais precisamente, do Codex Gigas (já escrevemos sobre ela num artigo anterior).

O Codex é a própria Bíblia, escrita em latim. É chamado de Gigas porque é gigante: tem 89 cm de comprimento por 49 cm de largura e pesa aproximadamente 75Kg. Está sob a guarda da Biblioteca Nacional da Suécia. Guardado em local apropriado com atmosfera e demais condições controladas, este livro não está aberto a visitações.

E foi pra a Biblioteca que me dirigi virtualmente, entrando em contato com a Jurista do Departamento Jurídico, Frida Petersson. Ela foi muito atenciosa e me concedeu permissão para uso da imagem tornando possível que eu encerrasse este episódio da saga iniciada em fevereiro.

Tanto para a moderna ciência quanto para o milenar misticismo tudo no Universo é energia, e desta deriva tudo o que se vê e o que não se vê, o que se sente e se pensa.

E esta nunca se perde, mas se conserva pela eternidade.

E foi a partir destes questionamentos pessoais, que fiz esta série de cinco posters.

Gentilmente ele pediu para que eu cedesse minha imagem earthWeight, parte do projeto 4+1 Elements, para esta arte que estava criando. Contou-me a triste estória por trás da canção e disse que minha imagem traduzia com perfeição o que ele cantava em sua música.

Não tive dúvidas e a cedi prontamente.

Durante a troca de mensagens sobre atribuições e créditos desta imagem (um processo chato!) soube que ele estava trabalhando em algumas músicas novas para um novo EP intitulado falling.

Desenhar capas de álbuns era algo que eu vinha pensando há tempos, já que desde 2008 trabalho quase que exclusivamente com arte digital inspirada por música. Por analogia, nada mais justo que tentar entrar neste território até então inexplorado. E neste quesito tenho um ídolo.

Alimento profunda paixão pelo famoso estúdio Inglês de design e arte Hipgnosis, liderado por Storm Thorgerson e Aubrey Powell. De 1968 a 1983, de Pink Floyd a Led Zeppelin, eles fizeram de tudo. Desde meu primeiro disco de vinil do Pink Floyd, comprado aos onze anos de idade, passando por toda a coleção que fui montando ao longo da minha adolescência, a arte do Hipgnosis sempre esteve presente. Recentemente recebi de presente do meu irmão o livro For The Love of Vinyl. Ainda estou explorando cada polegada quadrada de suas páginas.

Ainda que o EP falling fosse um projeto experimental sem fins lucrativos, vi nesta situação a grande chance de realizar meu primeiro projeto de capa de álbum. Ofereci meu serviço a Adam e ele topou sem sombra de dúvidas.

Foi aí que ele me mandou suas músicas e letras para que eu me inspirasse e conceituasse o projeto. Não foi difícil. A música de Adam é comovente, possui uma grande carga emocional e belas melodias, o que não deixa espaço para incertezas. A inspiração apareceu quase que instantaneamente.

E foi com muita satisfação que em menos de um mês terminei a arte. Ele adorou o resultado.

O decorrer desta estória culminou numa ótima amizade virtual.

Capa do encarte

Última capa do encarte

Encarte aberto - lado de fora

Encarte aberto - lado de dentro

Rótulo do disco

Bandeja - lado de dentro

Bandeja - lado de fora

• Desenhos que o cliente não aprova e nós adoramos.
• Projetos de design que culminam com o fim da empresa do cliente.
• Desenhos que não encontram mais o cliente para aprová-las.
• Desenhos que não são entendidos pelo cliente.
• Desenhos que foram feitos sobre um briefing modificado várias vezes e que terminam ineficientes.

O projeto Mediterra foi um misto de algumas das possibilidades acima.

Este projeto de logo foi encomendado pela mesma cliente do projeto frappé art. Começou em julho de 2009 e foi apresentado em agosto. Novamente, a talentosa Juliana Morozowski fez parte do nosso time.

A cliente desaprovou a arte e o projeto foi encerrado. As razões para esta desaprovação ainda estão para ser completamente entendidas.

Contudo, porque amamos o resultado resolvemos publicá-lo do jeito que foi apresentado ao cliente, sem posteriores modificações ou refinamentos.

Logo Mediterra

Símbolo Mediterra

Símbolo Mediterra

Aplicação do logo em uma cor

Aplicação do logo em uma cor

Aplicação do logo em fundo colorido

Aplicação do logo em fundo colorido

Ela disse-me ter ficado intrigada quando viu a arte no livro dos 100 melhores designs da Hugo Boss Create (página 28), e perguntou-me se eu estaria aberto à idéia de uma entrevista.

Ora seu eu não diria sim!

Foi então que no dia 4 de junho a matéria foi publicada, tanto na revista web quanto na impressa. E lá estamos nós entre os seis artistas entrevistados.

Não poderíamos estar mais felizes :^)

Para promover a conquista do selo, este ano a Tine juntou-se com a agência Dist Creative, também norueguesa, e fez um chamado aos artistas brasileiros através do Behance para que enviassem seus trabalhos. Os trabalhos escolhidos seriam exibidos em pontos-de-ônibus por toda a Noruega, revistas, blogs noruegueses e também na página do IsKaffe no Facebook.

Quando li a mensagem, me empolguei; virei para Bárbara e ela me disse: “Poderíamos fazer algo poético“. Foi o suficiente.

A caminhada deveria ser rápida. Em uma semana eu teria que aprontar algo. A idéia veio e tinha que ser colocada em prática o quanto antes.

Bem no início pensei: Candido Portinari. Caí na internet e encontrei sua famosa pintura “Café”.

O desafio, incrível ele pareça, era representar o Brasil neste projeto. O assunto, passava longe da representação comum do Brasil, isto é, como se ele fosse somente o Rio de Janeiro: praias, sol, samba, Cristo Redentor, Bossa Nova etc. Pensando em café vinham São Paulo e Minas Gerais em mente. Não conhecemos bem estes Estados, sem falar de suas produções cafeeiras. Somos bons bebedores de café, como todo o brasileiro, e só.

Nem precisa dizer que o desânimo tomou conta. Uma idéia na cabeça e uma semana para concretizá-la. Pausei.

Acordei uns dias depois com aquilo na cabeça, martelando. Somente a pintura do Portinari não tinha tocado o sino que eu precisava ouvir.

Entrei no banho, como de costume assim que acordo, e chamei a idéia para uma conversa: “O que vem à mente quando penso em Brasil/café/poético/Portinari?”. A mente corre rápido como uma máquina de caça-níqueis e pára em:

Heitor Villa-Lobos!

E agora? Compositor clássico, brasileiro, praticamente desconhecido do povo brasileiro. Então, por que logo Villa-Lobos?

Acabei o banho, fui à sala e fiz uma busca na nossa coleção de LPs e achei o disco do Villa-Lobos. Folheei o encarte e encontrei a pintura do Portinari “Café” na contra-capa. Bem, é um bom sinal. O coração chegou até a dar um tranco.

Mas não quis ouvir o disco. Li o encarte do disco com atenção e depois fui até a internet pesquisar a vida do compositor. Achei o website oficial dele no Canadá. Sim, o website oficial do Villa-Lobos é canadense, criado e gerenciado pelo dedicado Dean Frey, Diretor da Red Deer Public Library. Completíssimo, um primor de organização. Tem tudo sobre o compositor. Dean Frey vai ainda mais longe e coloca à disposição o The Villa-Lobos Magazine (desde 2001!), o Tumbling Villa-Lobos e um perfil no Twitter dedicado ao compositor.

Mas ainda nada de sino tocar. Buscando na memória lembrei de duas músicas que guardei em mente em algum momento da minha vida. Tinha certeza de que eram famosas. Lembrava vagamente das melodias e, para ajudar, não sabia o nome das músicas. Piorando a situação: Villa-Lobos escreveu, ao longo de sua vida, mais de 1.000 obras, um número inexato, já que não existe catálogo oficial de suas obras. Suspirei profundamente.

A procura no Youtube foi mais feliz. Ao começar a digitar “Heitor Villa……” veio a sugestão “Bachianas Brasileiras”. Na lista, um vídeo com uma bonita e antiga foto me chamou a atenção. Era a “Bachianas Brasileiras No. 5 Aria (Cantilena)”, cantada pela intérprete lírica brasileira Bidú Sayão.

Era essa! Agora o sino tocara de verdade. Que melodia! Que interpretação! Achei a música que ia me inspirar projeto adentro.

Mãos à obra. Comecei a cata de imagens em todos os bancos de imagens que me lembrava. Felizmente achei as que precisava; todas lindas e poeticamente corretas; pareciam fazer parte da canção.

Mas a composição ainda não fazia sentido, pelo menos da forma como eu havia feito. A ordenação das fotos, a interrupção brusca entre elas, a falta do logo do IsKaffe. Não sabia o quê poderia estar errado. Eu ouvia a suíte cantada pela Bidú e olhava para a composição com as quatro fotografias. Parecia ser o caminho mas ainda faltava algo importante. O trabalho ainda não estava fechado.

No limbo do desâmino novamente.

Voltando alguns passos, qual era a outra música do Villa-Lobos que eu vagamente me lembrava? Tinha um nome parecido com “Trenzinho do Caipira”. Fui atrás da música e achei. Resolvi escutar olhando para a composição visual que acabara de fazer.

Sim!!! Era a “Bachianas Brasileiras No. 2 – Toccata: O Trenzinho do Caipira”.

E neste exato momento a finalização do trabalho veio à mente. A ordenação das fotografias, começo, meio e fim, as ligações entre elas e o logo do IsKaffe com sua padronagem. Contara uma estória:

Café do Brasil – A Colheita & A Viagem

Parte I – A Colheita. Todos os dias como uma benção.
Parte II – A Viagem. Ao destino, como uma bela sinfonia.

Mandei um email para minha amiga Tatiana Fernandes, morando na Noruega há cinco anos, e pedi para que ela traduzisse para o norueguês a estória que eu acabara de contar:

Kaffe fra Brasil – Innhøstningen & Reisen

Del I – Innhøstningen. Hver dag, som en velsignelse.
Del II – Reisen. Til destinasjonen, som en vakker symfoni.

E aqui está o poster de 231 X 340 mm:

Bárbara completou o projeto criando esta linda apresentação:

Antes: Hemingway

Depois: Futurosity ajustado

No decorrer do ano, nos enchemos de idéias para um novo website. Criamos então um layout do zero e com todo o conteúdo que queríamos. Com a ajuda local do MAMP, chegamos bem longe no layout. Ficamos a desejar nas funcionalidades, devido ao nosso nulo conhecimento de PHP.

Neste meio-tempo em que tínhamos colocado o site no ar com o tema Futurosity modificado, aconteceu do Chris Spooner escrever um artigo onde ele juntava 50 exemplos inspiradores de minimalismo em webdesign. E lá estava nosso website.

Nós no Line25 do Chris Spooner

Com todas as visitas que esse artigo gerou e com projetos de clientes chegando, a última coisa que fizemos foi olharmos por nós mesmos e pensamos que o design não precisava ter uma mudança tão radical.

Chegado 2010 nos demos conta que nosso website ainda atendia ao que queríamos, em termos gerais. Quebramos a pedra em dois: ao invés de mudarmos tudo de uma vez, façamos em duas etapas.

Na primeira etapa ajustaríamos apenas o layout para que ele ficasse mais próximo da paleta de cores que desenvolvemos para nossa identidade visual. Queríamos também algumas funcionalidades simples e uma cara mais limpa.

Paleta de cores do Studio

Na segunda etapa adicionaremos as páginas: studio, portfolio, blog e contato, um menu de navegação e todas as funcionalidades que queremos. Estamos chegando num momento em que estamos precisando mostrar quem somos e nossos trabalhos com mais detalhes. Se esse pedaço da pedra precisar ser quebrado, será.

Então chegamos ao final da primeira etapa. Segue um resumo do que foi ajustado:

Cores

Mudamos sutilmente as cores do website para refletir nossa paleta.

Antes: cinza

Depois: cores

Foco no conteúdo

A barras laterais viraram barras de fundo de página, deixando os artigos sem distração de leitura.

Antes: muito conteúdo no campo de leitura

Depois: leitura mais clara

Informações auxiliares

Vimos que muitos artigos continham informações necessárias, porém, complementares e que se repetiam a cada novo artigo. Categorizamos e listamos essas informações, resultando em:

• Inspiração
• Créditos
• Agradecimento
• Mais
• Faixa

Todas elas deveriam agora estar numa barra auxiliar no início do post. Mas como fazer isso? Optamos por usar os campos personalizados do WordPress. Chamar meu irmão para nos ajudar com o PHP foi uma consequência natural.

Antes: informações complementares ao final do artigo

Depois: barra auxiliar

Redesenho dos filtros

Redesenhamos as páginas que resultavam de filtros de categoria, autor, assunto e busca para que tivessem uma unidade visual com o restante do website.

Antes: filtro de categoria nativo do tema

Depois: filtro em unidade visual com o website

Reformulação das páginas não encontradas

Agora, sempre que alguém não encontrar algo que estiver buscando, damos algumas opções de direção a partir deste ponto.

Antes: frustração

Depois: possíveis caminhos

Links internos

Links que apontavam para nossas próprias páginas poderiam ser quebrados caso mudássemos o website de diretório ou mudássemos a URL do post. Corremos para o Digging Into WordPress para uma ajuda valiosa.

Digging Into WordPress: ajuda valiosa

Tradução de verdade

Dessa vez resolvemos traduzir cada canto escondido do tema usando o Poedit. Chega de meias traduções.

Performance do website

Essa foi a pior parte. Ao instalar as extensões Page Speed do Google Code e YSlow do Yahoo! Developer no Firefox e disparar o teste, descobrimos que a performance do nosso site era paupérrima: cache de browser e proxy, compressão, cookies, DNS lookups, CSS ineficiente, otimização e escalonamento de imagens, ordenação de CSS e JavaScript… enfim, um desastre.

Pegando um item por vez juntamente com os guias do Page Speed e do YSlow e contando com uma pequena ajuda da nossa hospedagem, conseguimos melhorar substancialmente a performance, chegando, em algumas páginas, a um resultado de 98 itens OK de 100 total.

Antes: performance desastrosa

Depois: performance melhorada

Conclusão

No momento, a única coisa restante é o ajuste do CSS para navegadores mais velhos para que os usuários tenham uma experiência consistente ao visitar este website.

Daí as pessoas perguntariam: “Quando isso tudo termina?”

Nunca. Website e portfolio de designers nunca ficam prontos.

Trabalhou para importantes revistas da época. Dois de seus trabalhos são especialmente apreciados: Álbum do Rio de Janeiro Moderno, com doze cromolitografias e Galeria dos Brasileiros Ilustres (Volumes I e II, reeditados pela Biblioteca do Senado Federal), onde Sisson apresenta litografias dos homens mais ilustres do Brasil na política, ciências e letras daquela época acompanhadas de autógrafo e de nota biográfica de cada personalidade. Esta obra foi redigida em fascículos a partir de 1857.

Sébastien Auguste Sisson, foi discípulo de Rosé-Joseph Lemercier (1803-1887), considerado um dos mais célebres impressores-litógrafos da Paris de meados do século XIX.

Em maio de 1882 o governo brasileiro nomeou Sisson Cavaleiro da Rosa, devido aos serviços gratuitos prestados à Biblioteca Nacional na restauração de numerosas gravuras prejudicadas pelo tempo e pelas traças.

Foi por meio da litografia que Sebastién Auguste Sisson desenvolveu seu trabalho artístico. Trata-se de um processo de impressão inventado em 1796 por Alois Senefelder (1771 – 1834), dramaturgo da Baviera que buscava um meio econômico de imprimir suas obras dramatúrgicas.

Alois Senefelder, 1818. Litografia de Lorenz Quaglio

A invenção da litografia ocasionou uma verdadeira revolução nos meios artísticos do século XIX. A possibilidade de reprodução de imagens tanto na arte como na imprensa permitiu que um maior número de pessoas pudesse ter acesso às criações e fez com que a informação, ao assumir uma linguagem visual, se tornasse mais densa em conteúdo e forma. Este momento é hoje conhecido como “a era da reprodutibilidade técnica”.

A litografia é um processo de gravura em plano, cuja matriz é executada sobre pedra calcária porosa – a pedra litográfica. A pedra pode, também, ser substituída por uma placa de metal (em geral zinco ou alumínio).

O processo baseia-se no fenômeno de repulsão entre as substâncias graxas e a água. A impressão é feita através de um desenho executado sobre a matriz com um material gorduroso – o lápis litográfico – sendo a pedra ou a chapa molhada e em seguida entintada com uma tinta graxa que adere somente ao desenho. O papel umedecido é aplicado sobre a matriz e pressionado com uma prensa especial, para fazer a impressão final.

O filme “Goya’s Ghosts” apresenta lindamente o processo de impressão como era feito antigamente. Francisco de Goya (1746 – 1828) foi um dos artistas que utilizaram a litografia.

Rosé-Joseph Lemercier era dono de uma oficina de impressão litográfica inaugurada em 1826 considerada uma das melhores em Paris.

Rosé-Joseph Lemercier, Paris 1800-1857. Litografia de Achille Devéria

Lemercier era também conhecido pelos novos processos e inovações técnicas que havia desenvolvido, incluindo um método de aspersão de lápis litográfico em pó sobre uma pedra quente para então trabalhar com um pincel ou um carimbo a fim de obter tons delicados para céu e água.

Interior da oficina litográfica de Lemercier

Os impressores alemães lideraram a litografia em cores e o impressor francês Godefroy Engelmann patenteou um processo chamado cromolitografia em 1837. A cromolitografia foi a mais importante técnica de impressão em cores até o surgimento da impressão offset.

Vista do Jardim Botânico, Rio de Janeiro, 1862. Litografia de Sisson

Sisson fixou oficina litográfica no Rio de Janeiro em diversos endereços no Centro da cidade tendo recebido em 1866 o título de Litógrafo Imperial.

Sua Majestade o Imperador atendendo ao que lhe representou S A Sisson, estabelecido com litografia a Rua da Assembléia número sessenta. Há por bem conceder-lhe licença para alçar as armas imperiais na frente do edifício de seu estabelecimento com a Legenda – Litógrafo e Desenhador [sic] da Casa Imperial [...]. Palácio do Rio de Janeiro em 12 de junho de 1866.

Nas palavras de Machado de Assis, em 1889:

A propósito de algumas litografias de Sisson, tive há alguns dias uma visão do Senado de 1860. Visões valem o mesmo que a retina em que se operam. Um político, tornando a ver aquele corpo, acharia nele a mesma alma dos seus correligionários extintos, e um historiador colheria elementos para a história. Um simples curioso não descobre mais que o pinturesco do tempo e a expressão das linhas com aquele tom geral que dão as coisas mortas e enterradas. [...] Um dia vi ali aparecer um homem alto, suíças e bigodes brancos e compridos. Era um dos remanescentes da Constituinte, nada menos que Montezuma, que voltava da Europa. Foi-me impossível reconhecer naquela cara barbada a cara rapada que eu conhecia da litografia de Sisson [...].

Sisson cessou sua atividade em 1876 e faleceu na cidade do Rio de Janeiro em 8 de fevereiro de 1898.

Em novembro de 2007 eu olhei para o céu, aqui da minha varanda, e vi uma composição estranha de nuvens. Lembrei imediatamente da música Hole In The Sky (Abertura No Céu) do Black Sabbath:

~Hole in the sky
Gateway to Heaven
Window in time
Through it I fly~

A música é bem pesada, mas essa estrofe é bonita; sempre me chamou a atenção.

Corri e peguei a câmera, fotografei e, naturalmente, a chamei de “Hole In The Sky”.

Em dezembro de 2009, num momento de silêncio e introspecção, resolvi pegar esta mesma foto e fazê-la, efetivamente, parecer como a passagem no céu que eu imagino, dar minha impressão pessoal intuitiva, que difere do que meus olhos físicos enxergam.

Foi então que ela ficou assim:

Em janeiro de 2010, pouco depois de ter subido a foto para o Flickr recebi o comentário:

O comentário no Flickr

Basicamente o que este comentário diz é que o usuário PPC Interactive quer adicionar essa foto ao grupo “Experience The In-Between”.

Claro que fui ver do que se tratava porque In-Between, em inglês, neste caso, significa um local intermediário entre a Terra e o Céu, como aquele onde as pessoas vivem após a morte. Exatamente o que eu quis com a fotografia “Hole In The Sky”.

Entrei no grupo do Flickr e vi que se tratava de uma experiência fotográfica em desenvolvimento pela Paramount Pictures para promover o filme do Peter Jackson “The Lovely Bones” (“Um Olhar do Paraíso” em português)! Sim, o mesmo Peter do “Senhor dos Anéis”!, um filme que amo.

O filme seria baseado no romance best-seller “The Lovely Bones”, de Alice Sebold, que conta a estória de uma adolescente que, após sua morte por assassinato, olha do Céu o desenrolar da vida de seus familiares e amigos enquanto aprende a lidar com a própria morte.

As capas do livro e do filme

Bem, na época fiquei bem empolgado mas não tinha entendido muito bem como minha imagem ia ser usada. Vi que o site oficial do filme teria lindas imagens dessa “terra intermediária” que seriam, na verdade, mosaicos compostos por milhares de imagens que pessoas do mundo inteiro enviariam, mostrando como elas desejariam que sua própria “terra intermediária” fosse.

Caiu no esquecimento.

Agora, março de 2010, voltei a pensar nessa imagem e resolvi ver o que se desenrolou (se algo havia acontecido).

Fato, aconteceu. O filme estreou em 15 de janeiro, o site está lá, com quatro lindas imagens mostrando o “entre Céu e Terra” e lá está minha imagem!

A página inicial do site

A Terra Intermediária

O mosaico da Terra Intermediária

Hole In The Sky

O cartão postal "Hole In The Sky"

Fiquei admirando as imagens com a música de fundo e me emocionei. Gostei da minha fotografia ter feito parte desse projeto. Acredito que escolheram essa fotografia porque ela conseguiu comunicar o que eu queria: uma passagem para o meu Céu, minha impressão da minha “terra intermediária”.

Quero ter uma experiência bonita quando chegar minha hora de partir.

Indo mais atrás na minha história, nunca pensei em criar nada artístico. Aconteceu de eu ter a dose certa de coragem para que, em 2008, eu começasse a enviar trabalhos artísticos a todos os concursos que pude participar e a todos que soube da existência.

Chegamos a ser premiados em 2008 pelo trabalho “City Sounds – The Original Score” e a ter o trabalho “4+1 Elements” publicado na sessão internacional do livro da exposição “Oddinary”. Os caminhos estavam abertos.

Mas nunca pensei em expor meu trabalhos. Sou daqueles que preferem ficar sentados em uma cadeira, engordando, tomando café, escutando música e se inspirando; pegando temas para trabalhar, vendo se há concursos novos com temas desafiantes, trabalhando o design de clientes do Studio e, principalmente, resolvendo meus problemas de vida, que são o motor de tudo que crio. Sou planejador demais e Bárbara executora demais. Daí nossa harmonia no trabalho.

Dia 23/1 foi o dia em que isso aconteceu. Nossa primeira exposição.

Sendo seguida no Twitter pela Festa Shout, Bárbara leu uma tuitada “Última chance para mandar sua proposta para expor seus trabalho…….. etc.” ou algo parecido. Entramos no site e vimos que a exposição incluiria outros 24 artistas na antiga fábrica de chocolates Bhering, Santo Cristo, Rio de Janeiro.

A pilha foi forte e, como todo cabrito montês do signo de Capricórnio, Bárbara só pára quando chega no topo. Não digo topo como “sucesso”, mas como “fim”, como quem chegou no objetivo pretendido.

Ela mergulhou na tarefa de fazer um pequeno release meu e inclusive escolheu os trabalhos que seriam apresentados. Minha curadora, resumidamente. Passei a semana toda a chamando de “minha curadora”. Por trás de todo o medo, eu ainda conservei o bom-humor. Coube a mim decidir a ordem dos trabalhos, o nome da exposição, e a “cara” que eu queria que ela tivesse.

Fiquei entre dois nomes: “Musak” (nome que foi no release) e “Born Of A Broken Man”. Escolhi o segundo, título de um dos meus trabalhos, e a concepção visual seguiu essa peça.

Daí veio a tortura: montar nossa primeira exposição em menos de uma semana com um feriado no meio, São Sebastião. A exposição era sábado e fomos chamados na madrugada de segunda.

Bárbara logo veio com uma idéia, que era a idéia que ela já alimentava há algum tempo. Fomos visitar o espaço na terça-feira e escolhemos uma sala bem no estilo de “Jogos Mortais”.

Vimos que o design que ela havia planejado não combinava com a sala. Somamos a isso o tempo corrido e o custo elevado da idéia dela. Tivemos que lapidá-la até chegar ao que apresentamos, caso contrário, tchau exposição.

No final, adorei a experiência. Recebemos amigos, familiares e desconhecidos como quem recebe pessoas em casa para um café. Correu tudo bem no dia e os organizadores do evento nos deixaram à vontade desde o princípio.

Já nos sentíamos privilegiados de termos sido chamados para criar a identidade desse espetáculo e do “Espia uma mulher que se mata”, de Daniel Veronese, ambos da Companhia Movimento Carioca de Teatro, com Miriam Freeland, Roberto Bomtempo e Ana Paula Sant’Anna produzindo. Era dezembro de 2009 quando nos chamaram.

No início, insegurança, como todo projeto em campo inexplorado. Neste caso, cultura, teatro. O relógio corria, era dezembro e os espetáculos re-estreariam em janeiro. Onze peças gráficas para serem desenhadas e reproduzidas em gráfica.

Nos encontramos com Miriam e Roberto numa tarde chuviscosa. Um casal formidável; a reunião aconteceu fácil. Saímos da reunião com a boca apertada: era coisa pra caramba, pouco tempo… aquela estória toda de design.

Passa-se o mês, o ano vira, chega o dia da re-estréia do “Raul…”. Para dar o clima de aventura, passamos à tarde resolvendo aquele velho joanete em todo pé de designer: gráfica. Deu merda na impressão do programa e tivemos que reajustar a arte do programa e correr para um bureau de impressão. Duzentos programas foram entregues às 19h no Teatro. Salve!

Era 20:40h quando chegamos ao Teatro. Calor dos infernos que fazia, chegamos suados e sacudidos do ônibus. Como diz Renata “- É caído não ter carro.”. Correto. Sentamos à mesa de uma lanchonete natureba e nos refrescamos com sucos gelados. Levantamos e caminhamos até a porta onde uma pequena multidão se amontoava.

Nos sentamos na fileira G, lado direito da sala. Víamos as pessoas lendo o programa que desenhamos e tirávamos fotos; uma bobeira só.

A cigarra toca algumas vezes e as pessoas começam a se calar. Vemos 4 músicos à direita. Era a banda que acompanhava Roberto (fiquei de cara com a guitarra que o rapaz empunhava).

Começa o espetáculo com tudo escuro. O impacto inicial foi estrondoso em mim. Roberto encarna Raul com vontade e experiência. De cavanhaque, com postura e trajado à caráter, dizia-se tratar do próprio Raul ao acenderem as luzes de palco.

Chegava então a hora que eu não esperava. Não estava preparado. Roberto em pé, voz branda, quase um susurro:

Eu que já andei pelos quatro cantos do mundo procurando, foi justamente num sonho que ele me falou.

Era Gita, música que marcou Raul, o trouxe de volta ao Brasil durante o regime militar e o fez alcançar uma marca de vendas invejável; música inspirada pelo livro Bhagavad Gita, escritura hindu de importância mística incontestável.

Roberto cantava a primeira estrofe da canção, ainda sussurrando. Luzes de palco acesas. Tudo ia calmo.

Às vezes você me pergunta, por que é que eu sou tão calado. Não falo de amor quase nada, nem fico sorrindo ao teu lado.

Foi o silêncio que precedia o esporro. Roberto abre os braços como que clamando aos céus. Nesse momento entra Raul cantando, apagam-se as luzes principais, acendem-se as luzes de fundo, meio azuladas, roxas. Som forte, volume bem alto. Tudo ao mesmo tempo. Roberto cambaleia e sai de lado, arrebatado pelo personagem. Seu rosto e corpo ficam nas sombras, só se vê silhueta:

Você pensa em mim toda hora. Me come, me cospe, me deixa. Talvez você não entenda, mas hoje eu vou lhe mostrar.

Viera como um soco. Sentia um nó na garganta, meus olhos embaçavam, meus braços se arrepiavam. Pareceu que o teatro ficava mais frio nesse momento.

Não vi o que aconteceu depois. Quando me dei conta a música tinha acabado e tudo havia voltado ao normal. Foi um vácuo total, como seu eu tivesse caído desmaiado, acordando depois da tempestade.

A memória não trai e o corpo não mente. Os detalhes vão embora mas o mesmo nó, o mesmo embaço nos olhos e o mesmo arrepio voltam quando me lembro da cena.

Não sei se vi tudo que descrevo. Muito menos sei o por quê senti isso tudo nessa cena. Mas senti. Pode ter sido num sonho que ele me falou.

Devo encarar os fatos: nunca fui fã de Raul. Sempre o achei criativo e doido, mas musicalmente nunca me atraiu.

Ao contrário do que aconteceu com o filme do Cazuza, que me fez ter asco do artista e me levou a sumir com os discos dele que eu tinha, o espetáculo “Raul…” me fez deixar de ser cruel com o artista. Não virei fã dele, mas agora o respeito muito, principalmente no uso que ele fazia das palavras, que era sua vocação primária, na minha modesta opinião.

Mas o espetáculo me fez fã do Roberto.

Para quem quiser assistir aos espetáculos “Raul Fora da Lei” e “Espia uma mulher que se mata”, aqui vão informações adicionais:

// “Raul Fora da Lei” //
Todas às terças às 21h até 23/03/2010.

// “Espia uma mulher que se mata” //
Todas às quartas e quintas às 21h até 25/03/2010.

TEATRO LEBLON – Sala Tônia Carrero
Rua Conde Bernadotte, 26 – Leblon
Rio de Janeiro – Tel. (21) 2529 7700

Como parte da exibição, havia algumas perguntas que deveriam ser respondidas para cada objeto que eu guardava. Elas funcionaram como um revival pra mim, me fazendo sentir o momento novamente. Com o passar dos anos eu naturalmente parei de pensar de onde eles vieram ou porque eu ainda os mantinha. Agora tudo voltou.

Sim, faz mais de ano que mandei essas fotografias para a exibição e agora, olhando pra elas, decidí dá-las uma nova vida, adicionando quatro novas e desenhando este livreto:

Apenas por razões sentimentais.

Idéias estão surgindo e acabamos decidindo imprimir nossos novos cartões de visita em letterpress, processo antigo e artesanal que tem nos encantado ultimamente.

[vimeo http://vimeo.com/699250 w=530]

Algumas empresas estrangeiras nos chamaram a atenção pela qualidade de seu trabalho: Studio On Fire e Sweet Olive Press.Vale a pena conferir o trabalho deles.

Oficina de letterpress do Studio On Fire - Minneapolis / MN.

Poster impresso e desenhado pelo Studio on Fire.

Cartão de visita impresso pela Sweet Olive Press.

Aqui no Brasil este processo de impressão praticamente não existe mais porque o aço das máquinas e dos tipos são derretidos e vendidos.

Buscando na internet, Christian conheceu o pessoal da Corrupiola, Leila e Aleph. Eles conseguiram encontrar uma máquina que estava praticamente abandonada e estão restaurando, num esforço para manter vivo no Brasil este belíssimo processo de impressão.

Máquina de letterpress do pessoal da Corrupiola.

A máquina deles ainda não está imprimindo, por isso nos indicaram a Oficina Tipográfica São Paulo, o que foi uma surpresa pra gente porque não conhecíamos o trabalho deles. Ficamos felizes em saber da existência desta oficina.

Oficina Tipográfica São Paulo

Mais sobre a Oficina Tipográfica São Paulo no Flickr.

Estávamos, nesta época, recém-chamados de Sisson Studio (uma longa estória…), sem bons trabalhos em andamento e com péssima receita. Contudo, o lado bom era que eu estava a pleno vapor com meus trabalhos de arte digital desde março, participando de diversos concursos e, nesse meio tempo, começando uma amizade com outros designers pela internet. Adicionalmente entrei no Facebook e comecei uma amizade com pessoas maravilhosas, incluindo aí uma pessoa que acabou virando nossa 1ª cliente internacional.

Nossas enxaquecas provinham de 2 projetos de website super complicados e um que estava pra ser fechado, com esta amiga/cliente Russa do Facebook. Não estávamos satisfeitos com o que estava acontecendo e resolvemos mudar nosso estado de gravitação.

Fomos certeiros: “— Projetos de web aparecem, incluindo um para a Rússia, e esta situação está intolerável!”. Procurávamos então alguém que trabalhasse com a gente.

Entrei em contato com um velho amigo, Guilherme Soares. Ele me indicou Oliver Barnes, com quem estamos até hoje.

O que não esperávamos era que o projeto do Ken estava esperando pela gente nas mãos de Oliver e seu sócio, Fito. Ken precisava de um site novo e de um logo simples que assinasse seu nome. Fato é que eles passaram pra gente o link do site antigo do Ken: kenheyman.com.

Vocês topam? Mas é claro!

Ficamos sem palavras. Nos sentimos muito privilegiados de trabalhar com esse artista. E à medida que nos informávamos mais sobre quem era Ken Heyman e sua obra, fomos nos apaixonando. Foi amor à primeira vista.

Não há o que possamos falar do trabalho do Ken que alguém já não tenha escrito antes. Não somos críticos de arte mas certamente sentimos aquele arrepio quando algo nos toca. E esse é o poder da arte, latente ainda que em uma simples fotografia.

Ken captou momentos íntimos de pessoas, fossem elas famosas ou anônimas. Captou momentos dolorosos e alegres. Com o coração na câmera.

O peso da responsabilidade abateu-se sobre nós imediatamente. Besteira! Tivemos que nos livrar desse peso para sentir o que deveria ser feito usando nossas intuição e inspiração. Captar a emoção e a simplicidade do clique do Ken Heyman era essencial.

Na procura de idéias, uma imagem nos passou pelos olhos:

Sim, era a Avant Garde de Herb Lubalin. Fonte simples, elegante, emotiva, cheia de charme, vintage. Era tudo que precisávamos. Estava pronto o logo/assinatura de Ken Heyman, tão simples quanto ele pediu que fôsse:

O próximo passo era criar o site e queríamos que fôsse muito charmoso e elegante. Acho que conseguimos. Em breve, novo website em kenheyman.com.

Um agradecimento especial Oliver e Fito pela oportunidade.

E aqui está o pacote compactado para uma prazeirosa experiência.

Não deixem de conferir também o HAL Project, especialmente o descanso de tela na página “Downloads”.

Eu tentei criar uma experiência visual, que se desviasse do campo das palavras e penetrasse diretamente no subconsciente com um teor emocional e filosófico… Projetei o filme para ser uma experiência subjetiva intensa, que atinja o espectador num nível profundo de consciência, exatamente como a música faz… Você está livre para especular como quiser sobre o sentido filosófico e alegórico do filme. – Stanley Kubrick, 1968.

Minha irmã, que vai se casar na semana que vem, me pediu que desenhasse o convite para o grande evento. Fiz com muito carinho e o resultado ficou muito legal, tão legal que a Fine Papers, nosso fornecedor de impressão, pediu autorização para expô-lo no showroom da empresa, em São Paulo.

O convite foi impresso em serigrafia num papel lindo da Fine Papers, o Latte Texture da linha Esse.

0. We are on the road to find out.
1. … Beginning.
2. … Diverging.
3. … Divided.
4. … Lost.
5. … Fighting.
6. … Found out.

You read the line every time
Ask me about crime in my mind
Ask me why another road song
Funny but I bet you never left home

On a good day, I know it ain’t every day
We can part the sea
And on a bad day, I know it ain’t every day
Glory beyond our reach

Fourteen seconds until sunrise
Tired but wiser for the time
Lightning 30 miles away
Three thousand more in two days”

–

-

É como nos sentimos, cansados porém mais sábios.

A Fundação Biblioteca Nacional contribuiu com auxílio técnico e fornecimento de conteúdo ao novo site da UNESCO. O Presidente da instituição, Muniz Sodré, apresenta o projeto neste vídeo.

Manuscritos, mapas, livros raros, impressões, fotografias, filmes e gravações raras foram digitalizadas e disponibilizadas na nova biblioteca digital. Lá é possível encontrar tesouros culturais como o um dos romances mais antigos do mundo, “O Conto de Genji”, obra da Literatura Japonesa do século XI.

Páginas da Obra "O Conto de Genji" da autora Murasaki Shikibu. Ilustrações de Shunshō Yamamoto.

E também um extenso manuscrito do século XIII, “O Codex Gigas”, a “Bíblia do Diabo”, proveniente da Boêmia, uma das históricas terras Tchecas.

Detalhe do manuscrito "O Codex Gigas", a "Bíblia do Diabo".

Acabei de visitar o site e adorei. A pesquisa é simples, o conteúdo é muito bem organizado e foi feito um excelente trabalho de digitalização que permite ver detalhes das obras quando ampliadas. Vale a pena visitar.

Colocando de forma resumida, não reinventamos a roda. Isto significa que não desenvolvemos as coisas do zero quando existe algo maduro e (muito mais) bem desenvolvido na web e que, portanto, pode ser utilizado via integração com os websites que desenvolvemos. Exemplificando, pra que criarmos um aplicativo gerenciador de imagens como o Flickr se já existe o próprio Flickr? Pra nada.

Então, como estamos reformulando nosso website, decidimos provar uma dose do nosso próprio remédio. Habilitamos o Smart Look neste website. O Smart Look é um serviço web oferecido gratuitamente pelo Issuu e que se presta a dar um bom charme na visualização de documentos .pdf, .doc e .ppt no site de quem usa o serviço.

Funciona assim: você vai no issuu.com e assina uma conta grátis. Daí você vai em issu.com/smartlook, e escreve o domínio do seu website onde está escrito “Select your domain”. Clica em “Get code” e terá um pedaço de código pronto para ser copiado e colado logo antes da tag </body>, que no nosso caso estava no arquivo “footer.php”. O proximo passo é fazer o upload do documento que você quiser disponibilizar no seu site. Pode ser um .pdf, um .doc, ou um .ppt.

Normalmente esses arquivos seriam um link para download, mas quem disse que todos que visitam seu site e vêem seus documentos, querem baixá-los? Imagina um documento .pdf de 20 Mb (o que para a área de design não é incomum), que o usuário queria só dar uma espiada e, quando clica no link, começa o download! Sou suspeito, porque já abandonei algumas páginas por causa disso.

Bom, voltando ao funcionamento do Smart Look, depois de colado o código onde eu disse, feito o upload do arquivo e disponiblizado na página, clique no arquivo. Esse clique dispara o upload desse mesmo arquivo para sua conta do Issuu. Depois de concluído esse 2º upload, seu documento estará pronto para ser visualizado de uma forma bem interessante.

E se o usuário quiser baixar? No alto à esquerda, na janela do seu documento, tem um link para download. Pronto. O usuário pode ainda compartilhar via email, imprimir e visualizar em tela cheia. Para o dono do documento, além de um usuário feliz, ainda ganha uma maior visibilidade pois na barra lateral da janela de visualização aparecem outros documentos do autor.

Minha única preocupação era se o Google Analytics iria parar de funcionar por causa da disputa pelo espaço. Até agora, nada anormal.

Aproveitamos essa ferramenta não só para para melhorar a visualização do Manual de Identidade Visual do frappé art, mas para publicar nosso Portolio de Arte Digital Digital de 2008. Este portfolio inclui os projetos que enviamos à competições de design gráfico ao redor do mundo, incluindo nosso projeto premiado “City Sounds – The Original Score” e o projeto publicado “4+1 Elements“.

Na minha opinião, um inconveniente é esse duplo upload, um para seu servidor e outro para o Issuu, este último disparado depois de um clique no arquivo. Aborrece um pouco. Mas, o Smart Look ainda está em beta e muita coisa deve mudar. Assim espero.

frappé art foi um projeto de logo para uma cliente Russa que está em vias de abrir seu próprio negócio na Grécia com a bebida símbolo deste país: o frappé. Para este projeto entramos numa colaboração com Juliana Morozowski, talentosa ilustradora de Santa Catarina. Seguindo nossa conceituação, Juliana veio com uma ilustração moderna, charmosa e cremosa de um copo de frappé. Coube a nós virmos com o logotipo e a composição final do logo, além de todos os estudos que cercaram este projeto de identidade visual. Queríamos algo jovem, cremoso e saboroso e ficamos muito satisfeitos com o resultado.

O choque cultural foi o maior desafio desse projeto; o frappé está para a Grécia como a cerveja está para o carioca, mas mesmo essa analogia quase nos tirou do sério. Passamos semanas procurando e olhando fotos de frappé, festas de fappé, cafeterias, praias e paisagens Gregas; pesquisando diversos websites e grupos do Facebook sobre frappé e lendo o que escreviam sobre esta mágica bebida. Discutimos muito com a cliente as idéias e conceitos que cercariam o projeto e, ainda, embarcamos na tarefa de beber o frappé. Delicioso.

Outro grande desafio foi não cair na armadilha de usar a cor azul. Esta cor impregna a Grécia e tudo ao que ela se relaciona, inclusive o frappé. A cliente foi bem clara a esse respeito.

Finalizado o projeto, o que resta, além da amizade da cliente e da satisfação de ver o trabalho pronto, é A VONTADE de ir à Grécia para beber o frappé!

Que projeto!

Também fizemos um Manual de Identidade Visual especial para o frappé art!

Poster de 12 x 40 cm enviado à competição anual de posters “Ten Images for Ithaca“, Grécia, 2009.

O que vejo quando estou em frente a um espelho?

Uma das melhores coisas que aconteceu no nebuloso mês de março foi que o nosso premiado projeto “City Sounds” estrelou na Galeria Hugo no deviantART!! Nesta mesma galeria encontram-se layouts maravilhosos e é um imenso prazer estar entre tão abençoados designers.

Este layout foi inteiramente inspirado pela deliciosa trilha sonora que Bernard Herrmann compôs para a obra-prima “Taxi Driver“, de Martin Scorcese e foi enviado para a Competição HUGO Create no ano passado.

Poster "City Sounds" no website da Galeria HUGO.

Já tem quase 5 meses que gritamos para nos vermos livres do tema Hemingway para WordPress. Nada contra esse tema, devo dizer. Mas precisávamos de nova roupagem web e a hora chegou.

Escolhemos o Futurosity Aperio; tema bem flexível construído sobre o Sandbox, da plaintext.org. Mexendo no design aqui e ali, pouco a pouco vamos chegando onde queremos, como planejamos. Nada é para sempre e críticas serão altamente valiosas a qualquer momento.

Em breve, seguindo um hiato de 3 meses, escreveremos sobre alguns projetos que viemos trabalhando desde o ano passado.

Paz a todos.

As sócias tiveram a idéia de presentear seus clientes com um adesivo decorativo que fosse produzido pela própria empresa.

Elas conheceram nosso trabalho na Mostra “Morar Mais Por Menos 2008″, uma feira de design de interiores, e nos chamaram para a criação deste projeto.

O projeto começou bem cru. Elas não apresentaram nenhuma idéia inicial apenas disseram que o adesivo tinha que ser pequeno (tipo 20×20 cm) para que a aplicação fosse feita com facilidade. Isso foi bom, porque pudemos trabalhar a idéia com bastante liberdade!

O ponto inicial foi o próprio adesivo. Teria que ser um desenho que agradasse a homens e mulheres.

Achamos que trabalhar dentro do tema “Natureza” seria uma boa opção. Daí surgiu a idéia de um bonsai que acabou caindo como uma luva já que o cultivo do bonsai surgiu da vontade do homem de levar, para dentro dos ambientes, a essência das florestas, a longevidade que as árvores representam.

O elemento bonsai foi a base para a criação de todo projeto. Iniciamos com o desenho do adesivo.

Bonsai

Os adesivos

Depois da aprovação do protótipo, nossas clientes pediram que nós mesmos executássemos a montagem dos 100 brindes para que cada detalhe fosse feito com cuidado e ficasse bem bonito.

Como não poderíamos dar conta da montagem sozinhos, chamamos, às vésperas do Natal, nossas mães para trabalhar na montagem dos brindes e elas ficaram muito felizes em poder ajudar. Elas adoraram e nós também; tivemos um dia agradabilíssimo juntos.

Almoçamos talharim com frutos do mar (com bastante cebola) que Christian preparou e que, como sempre, estava uma delícia!

Nosso almoço: frutos do mar, talharim, cebolas

A tarde seguiu tranquila e alegre. Montamos os 100 brindes cuidando dos detalhes de cada um.

Papel de fibra de bananeira

Papéis e adesivos

Corda encerada de 1mm

Adesivos embalados com folha de fibra de bananeira e corda

Caixas vazias / Empty boxes

Musgo desidratado / Dehydrated moss

Caixas contendo musgo desidratado e os adesivos embalados.

Envoltórios e tags / Box covers and tags

100 brindes finalizados / 100 finished gifts

Foi um trabalho muito legal, feito à mão, em família, com muito carinho.

Usamos alguns papéis não revestidos que já tínhamos em casa, alguns deles bem velhos e impróprios para usar em projetos para clientes. Legal, né?

Agora tente adivinhar qual deles é o da Bárbara e qual é o meu.

Hoje recebi uma newsletter da Tok & Stok que divulgava uma linha de produtos inspirada no Evento “Viver Design em São Paulo” recém inaugurado pela Secretaria Municipal de Relações Internacionais de São Paulo que tem como objetivo discutir o design em seu aspecto mais amplo, democratizar o design e dar visibilidade para São Paulo como importante centro da economia criativa.

Fiquei feliz em saber desta iniciativa ao constatar como a visão da Cidade de São Paulo é clara e coerente em relação ao importante papel que o design tem na sociedade. O foco do evento é mostrar como o design é um fator presente na cidadania, na consciência das pessoas, e no desenvolvimento da economia, legitimando a idéia de “Design para todos”.

O evento foi dividido em núcleos para abranger todas as expressões do design. A Tok & Stok desenhou uma caneca representando cada núcleo e apresentou os produtos desta forma que achei muito legal.

Seguindo o conceito jovial e fashion que nos foi passado, criamos adesivos com design despojado, leve e em proporções bem grandes. O toque final ficou por conta delas mesmas, que aplicaram strass sobre o adesivo compondo o clima do ambiente.

Clique aqui para baixar as ilustrações originais feitas por Émile Bayard para a edição de 1862 de Les Misérables.

Amo isso.

Alguns clientes desaparecem.
Alguns não conseguem se lembrar onde o projeto parou.
Alguns abandonam o navio.
Alguns decidem produzir o projeto um ano após o mesmo ter iniciado.
Alguns esquecem que o layout já foi aprovado e pedem para mudá-lo.

Decidimos por eles.
Hoje limpamos as prateleiras.
As prateleiras de projetos antigos.
Alguns deles publicamos.
Alguns arquivamos.
Alguns jogamos fora.

A Natureza abomina espaços vazios.
Que venham novos projetos para refrescar nossas confusas cabeças.
Que o Universo traga prosperidade às nossas vidas.

Tem coisas novas no Flickr e no Behance.

Paz!

Sarah France veio hoje me dizer que nosso trabalho está lá. Beleza!!!, Oddinary foi um grande projeto.

Surpreedente e perfeito trabalho de tipografia manual, devo dizer. Assista esse vídeo do projeto de sinalização “New York Mollusk” em ação.

Balsamiq Studios LLC é uma pequena empresa de softwares novinha em folha, gerenciada por Giacomo Guilizzoni. Tenha certeza de checar suas credenciais no LinkedIn e no blog dele.

Segue um tutorial de baixíssimo orçamento no YouTube:

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=zLysy3IPfFI&w=530&rel=0]

Confira os 10 vencedores no website do HUGO Create.

Aqui está a peça:

City Sounds - The Original Soundtrack

A 6ª turma de graduação em Design da Universidade SIM-RMIT, promoveu a exibição “Oddinary” este ano. A exibição também contou com a publicação de um livro contendo os 33 Oddinaries selecionados de Singapura e uma seção dedicada aos Oddinaries internacionais. E lá estamos nós! Não poderíamos estar mais felizes :)

Vai aqui um grande agradecimento a Lucius Young e à equipe “Oddinary”!

Seção "The International Oddinaries" do livro "Oddinary"

"4+1 Elements" - canto inferior direito

Este é um trecho retirado do website da Cagla (em inglês):

Something to hold on to, to keep in mind, to guard and to preserve…

We all have bits and pieces, vague traces and fragments of past moments or events kept in our memory. We all reflect upon our past from time to time, trying to create a mental picture to relive in a moment long gone.

Time is irreversible, we cannot take back time, we cannot experience a moment more than once. Even the most cherished or loathed memories of events decay and become lost to us over time. There seems to be no cure for this forgetting phenomenon but one: keeping things.

As our memories erode, the souvenirs from our past start taking on a new mission; scraps of paper with notes scribbled, ephemera, trinkets, kept objects give us the opportunity to touch, see, feel and even smell the past without having to go back there. The things we keep don’t have to mean much extrinsically, but a great amount of feeling and memory is contained inside. Feelings and memories are the secrets between us and the objects that are kept.

E aqui estão as fotos que enviei:

Lata da marca Brasileira de manteiga Aviação, em atividade desde 1920.

• O que você guarda? Objetos antigos.
• Há quanto tempo guarda? Desde 2007.
• Por que guarda? Porque tem estilo antigo.

Garrafas de Coca-Cola (3 polegadas de altura), edição limitada, vendidas no Brasil no início dos anos 80.

• O que você guarda? Objetos nostálgicos.
• Há quanto tempo guarda? Desde 1984.
• Por que guarda? Porque é nostálgico e porque gosto de Coca-Cola.

Ilustração do século 19, o início da Coca-Cola.

• O que você guarda? Objetos antigos.
• Há quanto tempo guarda? Veio dos meus pais.
• Por que guarda? Porque tem estilo antigo.

Ilustração do Buffalo Bill’s Wild West.

• O que você guarda? Objetos antigos.
• Há quanto tempo guarda? Veio dos meus pais.
• Por que guarda? Porque tem estilo antigo.

Um pin da União Soviética que um amigo trouxe quando viajou para lá, logo após a Perestroika.

• O que você guarda? Coisas de outros países.
• Há quanto tempo guarda? Desde 1998.
• Por que guarda? Porque é história.

“Mapa Mundi da Aventura” é um poster que mostra a versão caricaturada de estórias famosas como Robinson Crusoe, Trabalhadores do Mar, Os Três Mosqueteiros, Ben-Hur, Don Quixote, As Aventuras de Tom Sawyer, Volta Ao Mundo Em Oitenta Dias, Robin Hood, As Mil E Uma Noites e muitas outras.

• O que você guarda? Objetos nostálgicos.
• Há quanto tempo guarda? Desde 1986.
• Por que guarda? Porque é nostálgico e porque gosto de estórias de aventura.

• É um museu e lojinha de ilustrações do meio do século passado;
• É o arquivo de ilustrações da década de 50;
• Uma maravilha para os viciados em vintage;
• Um Pastelograma;
• Carros, peruas, caminhões, propagandas, espaço sideral e decor.

O poster por inteiro.

O detalhe da tipografia feita à mão.

A competição convida esse ano todos os designers a liberar sua imaginação e falar de seus sonhos, sejam eles imagens e sentimentos criados pela mente humana durante o sono ou seus desejos e vontades. Além disso, o termo “sonho” pode ser usado metaforicamente, pode ser o “ponto inicial” para a idéia ou tema principal da peça final.